Los olvidados

Por: Iris Amandy González.

Los-OlvidadosDirector: Luis Buñuel

1950

SINOPSIS:
Un adolescente al que le dicen El Jaibo, escapa de la correccional y se reune en el barrio con sus amigos. Junto con Pedro y otro niño, trata de asaltar a Don Carmelo. Días después, el Jaibo mata en presencia de Pedro a un muchacho y lo incriminan al Pedro. A partir de este incidente,  Pedro, que busca huir de ese mundo de violencia y muerte quedará intimamente ligado al mismo.

 

Los olvidados de Luis Buñuel, es una de las películas íconos del cine urbano pertenecientes a la década de los 50. Esta misma, es un vivo reflejo de la miseria, pobreza y violencia que se vivía frecuentemente en los barrios de tugurio de la ciudad de México.

Incluso durante el filme, se nos muetra el puente de Nanolanco, muy recurrido durante esa época para el cine mexicano, debido a que representaba aquel horizonte entre la gran urbe cosmopolita y fruto del progreso, frente a los barrios más bajos, desdichados y miserables.

La trama se centra en los problemas sociales cotidianos a los que se ven expuestos niños y adolescente pertenecientes a la clase baja. Sobresale el impacto que pueden ocasionar las influencias sociales que los conllevan a las más trágicas consecuencias.

Es una cinta muy cruda en su contenido, manifiesta la desesperación, debilidades que puede conducir al ser humano a perder la cabeza y cometer los peores actos de los que podrá arrepentirse después. Además de que contrapone aquella imagen buena, mustia, y sufrida  del pobre, convirtiéndolo en el villano, asesino y delincuente.

 

 

 

Insidious 2

Por: Iris Amandy González 

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Título: La noche del demonio 2

Dirección: James Wan


Protagonistas: Patrick Wilson, Rose Byrne, Barbara Hershey, Lin Shaye, Leigh Whannell, Ty Simpkins

Duración: 105 minutos



Género: Terror


SINOPSIS: La escalofriante secuela de la aclamada película de terror continúa la historia de la poseída familia Lambert, quien ahora es perseguida por un misterioso secreto de la niñez que los deja conectados con el mundo de los espíritus.

La noche del demonio 2 es la segunda secuela originaria del gran éxito que obtuvo su primer filme, Insidious.  Mis expectativas de esta cinta eran sumamente altas, había quedado muy satisfecha con la primera entrega, ya que el terror al que recurrían no se cimentaba en salpicar la pantalla de rojo, sino que la misma trama situada en viajes astrales con una combinación demoniaca la hacía bastante interesante,  algo fuera de lo común en el cine de terror.  Aunado ha esto, cabe mencionar que tuvo la dirección del Gran maestro del terror,  James Wan, también autor de su obra el “Conjuro” que obtuvo gran aceptación y muy buenas críticas por parte del público.  Es por ello que me encontraba muy ansiosa por ver este segundo capítulo que en algún punto, la primera parte, logró dejarme con los pelos de punta. Sin embargo, quedé decepcionada.

La noche del demonio 2 inicia tras la experiencia astral que tuvo el padre cuando era pequeño, ya que esto había quedado inconcluso.  Al mismo tiempo van retomando los puntos clave de la primera película para que la audiencia pueda entender la cinta sin necesidad de haber visto la primera.  Hasta este momento, todo marchaba bien,  lograba captar mi atención.  Pero más adelante la historia se vuelve tediosa a pesar de sus continuos cambios en el tiempo que la vuelven confusa.  Llega un punto,  en el que pienso que debería de haber terminado la película, ya que después, la arruinan saturándola con más twist que la vuelven incongruente.  Esta segunda secuela no logró  causarme miedo en abosoluto,  y creo que tampoco a los demás espectadores, ya que en toda la sala nadie se asustó o gritó a diferencia con otros filmes. Además de que esta vez se recurrió a los instrumentos más clichés que se utilizan en el cine de terror para dar miedo, es decir,  apariciones fantasmales, ruidos escandalosos u ensordecedores entre otros.
Por otro lado, se hizo un intento fallido por tratar de añadirle un poco de comedia para romper con la tensión, pero creo que fue un grave error porque este supuesto humor nunca causó gracia en la sala.  Lo único que podría destacar de esta cinta, es que me agradó el hecho de que cuando se hace la reconstrucción del pasado en el que el padre tuvo sus primeros acercamientos espirituales con el más allá, las actrices que la hacen de la abuela y la médium realmente se parecen demasiado a las actrices originales. Además de que se tomaron la molestia de conservar la misma voz, es decir, hicieron un muy buen doblaje para que el tono de voz que tienen la madre y la médium en el presente, no variara en su época más juvenil, me parece que fue un buen acierto por parte de los creadores.

 

Sin embargo, el final de la cinta queda abierto para una nueva secuela, lo cual, desde mi punto de vista es un gran tropezón, pienso que debieron haber terminado con la historia en esta película, ya que han tratado de exprimir la trama al máximo y me parece que en la siguiente se quedarán sin más elementos como para poder construir un buen guión o simplemente reciclarán la misma historia. Lamentablemente, me he quedado sin ganas de ver este tercer capítulo y espero que no sigan continuando como más secuelas como pasó con Saw .

 

Until tomorrow, goodbye

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Por: José Manuel Reyes

La ciencia ficción es probablemente uno de los géneros cinematográficos ( y literarios) más incomprendidos por parte de la masa cultural a través de los siglos, vamos, la recepción que se le dio a El Último Hombre de Mary Shelley o los cuentos de Isaac Asimov han sido disfrutados por muy pocos, pero si han tenido un buen auge en la industria hollywoodense, desde el bodrio de I, robot y los personajes más dispares que podemos encontrar en la adaptación literaria-fílmica. Básicamente, el cine de ciencia ficción y muchos filmes se los debemos a dos personas, Phillip K. Dick y Ridley Scott.

Los Angeles, año 2019, el ser humano vive en un futuro distópico donde encontrar un animal biológico resulta casi imposible y donde la inteligencia del ser humano ha sido capaz de crear máquinas cuasi perfectas con rasgos humanos, los Nexus 6, también llamados “replicantes”; creados por la empresa Tyrell Corporations. Pero estos replicantes resultaron ser muy peligrosos para convivir con los seres humanos, ya que carecen de emociones reales, siendo más fuertes que el humano promedio, los replicantes están considerados como ilegales en el planeta Tierra. Es ahí donde un grupo de replicantes llegan al planeta para encontrar a su creador, y solo un Blade Runner (en otras palabras, un cazador de replicantes) de nombre Deckard puede detenerlos.

La trama, sacada libremente del libro ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Del autor Philip K. Dick tiene una de las tramas más complicadas que se podría observar en el cine, los diversos cortes que se hicieron de esta película han hecho que hoy en día, a mas de 30 años del estreno, los fans sigan discutiendo diferentes situaciones que ocurren en la película.

Se le considera Ciencia Ficción (y precursora del Cyberpunk) por diversos elementos: el uso de clones o droides, la llamada prueba Voif-Kampf que funciona para reconocer a un robot de un ser humano, autos voladores, informática avanzada, música sintetizada, temas futuristas. Incluso, en Blade Runner aparece una especia de Adobe Photoshop automatizado y más poderoso, años antes de siquiera existir la fotografía digital.

A mi consideración, esta película es mi favorita en cuanto al genero de Ciencia Ficción, ya que considera muchos aspectos utópicos y filosóficos: el valor de la vida, el objetivo de ésta, el significado de los sueños, el amor como algo imposible, la lucha contra lo desconocido. El personaje principal (Deckard) no puede comprender a lo largo de toda la película el objetivo de su existencia, y es un guiño de origami lo que podría dar la pista. Blade Runner es simbólicamente preciosa, visualmente poética y el acompañamiento de la música, creada por el griego Vangelis, pareciera que alcanza un punto climático que muchas películas del genero no pueden alcanzar.

Blade Runner no es una película cualquiera, no es de acción completamente, mas bien es anticlimática y necesitas demasiado tiempo para verla, razonarla y volver a mirarla. Una leída al libro también ayuda en la comprensión del tema.

Por último, resalto el máximo punto de la película digna de lagrimeo de señora entrada en los cuarenta mientras ve Titanic, literatura épica que le pinta el dedo a cualquier libro de Nicholas Sparks. Imaginación desbordante, en un nivel estratosférico a comparación de cualquier rima de chisguete de Ricardo Arjona. Hablo del momento donde Roy, un replicante menciona una de las frases más memorables de todos los tiempos del cine (no me creen, chequen el IMDB): “I’ve seen things you people wouldn’t believe. Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I’ve watched C-beams glitter in the dark near the Tannhauser Gate. All those moments will be lost in time, like tears in rain. Time to die.”

Recomendadísima, es un “must” para comprender la ciencia ficción, además de saber cómo es que existen las películas como In time, The Adjusment Bureau, Minority Report, Total Recall, I Robot. Además de dar un poco de inspiración para Alien, Terminator, Prometheus… incluso Avatar o Gravedad. Por último no me queda más que recomendar la bella pieza “One more kiss dear” compuesta por Vangelis para esta obra maestra de Ridley Scott.

Mardi Gras: Spring Break

Debo confesar que el genero comedia es mi favorito en las películas, siempre busco películas sin importar el año en las que estas fueron exhibidas, siempre y cuando me hagan reír hasta llorar. Desafortunadamente, me he vuelto más exigente o debo buscar alguna justificación a la razón de que las películas de comedia cada vez son menos originales que muchas veces nada mas son puro remake.

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Buscando por Netflix, encontré esta película, no me llamaba mucho la atención pero me animé a verla.

Esta película llamada Mardi Gras, que desde el póster oficial y el titulo podemos ver que la película se va a tratar de fiesta y amigos. Por cierto, el diseño del póster se me hizo muy malo.

Mardi Gras: Spring Break, es una película del 2011, dirigida por Phil Dornfield,  los protagonistas principales son Carmen Electra, Nicholas D’ Agosto, Josh Gad y Bret Harrison.

La historia de la película comienza cuando tres amigos deciden hacer el viaje de sus vidas que los llevará al famoso Mardi Gras en Nueva Orleans, en donde se enfrentaran a varios imprevistos que les impedirán llevar acabo su plan para pasársela en grande.  Ellos no se dan por vencido y deciden enfrentarse a todo con el fin de que se vuelva un viaje inolvidable.

Estos chavos se encuentran con la desilusión, el verdadero amor y las fantasías haciendo que esta historia sea bastante entretenida.

La película es de esas que cuando la vez te dan ganas de ir de fiesta con tus amigos y pasarla muy bien. Me recuerda un poco a la temática que quiere manejar American Pie, Eurotrip y Roadtrip.

En conclusión la película no es tan buena pero sí pasas un buen rato riéndote de todas las cosas que estos chavos tienen que vivir juntos en su viaje. 

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We’re the millers

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Por Iliana Fornaguera

We are the millers es una película de comedia estadonidense lanzada en el 2013 y dirigida por Rawson Marshall Thurber. Desde que podemos ver el poster, se se tiene una idea de lo que se puede esperar. Unas flechas apuntan y describen a los protagonistas de forma muuuuy sincera, pues realmente no los describen de una forma agradable. A pesar de toda su sinceridad y de que muestra que posiblemente se hablará de un tema fuerte, la actitud de los protagonistas en el poster es bastante relajada y hasta sínica, así que no hay nada de qué preocuparse.

Me gustan las películas de comedia gringa y la verdad, aunque sean tontas, siempre me termino riendo. Sin embargo, ya cuando alguien con humor un poco amargado me dice que se divirtió mucho al verla, sé que pasaré un buen rato si la veo.

Los protagonistas de esta historia son 4 personas completamente diferentes. Jennifer Aniston (Rose) es una stripper que alegrará la pupila de cualquier hombre, Jason Sudeikis (David) es un vendedor de droga aparentemente de la buena, Emma Roberts (Casey) una chava rebelde y Will Poulter (Kenny) un muchacho un poco tonto, por no decir teto.

La historia comienza cuando David se ve prácticamente obligado a realizar un viaje a México para contrabandear droga, pues sólo así podría cubrir una gran deuda que tenía con su jefe y conseguir un poco de dinero extra. Sin embargo, consciente de los riesgos que implica ir a la frontera y pasar tanta droga, decide que sería conveniente cambiar un poco su aspecto y sus acompañantes para no levantar sospechas. Con un poco de dinero de por medio, David convence a Rose y a Kenny, quienes son sus vecinos, de fingir ser su familia, invitando también a la rebelde Casey para que fuera la adorable hija.

Es así como los cuatro personajes emprenden un viaje a México en una casa rodante, pasando en el transcurso de su camino varias aventuras y problemas bastante chistosos que vuelven la película muy ligera y agradable por la forma en que, a pesar de no ser amigos ni parientes, los personajes se compenetran y muy a su manera terminan siendo una verdadera familia.Imagen

Como buena mexicana, cuando veo que hablan de nuestro país y que además tocarán el tema del narcotráfico, me pongo a la defensiva. Nosotros sabemos que es un tema muy serio y no es por nada, pero en otros lados no dimensionan tanto sus consecuencias y es un tema que hablan con poco respeto. Sin embargo, en la película tanto Estados Unidos como México tienen responsabilidad compartida en lo que respecta el narcotráfico y finalmente los traficantes de ambos países reciben su merecido, así que mejor me relajé un poco y disfruté de la película.

Para tener una idea más clara de qué esperar, esta es una película fusión de “Locas vacaciones sobre ruedas” y “Meet the fockers”, mas o menos. Aparentemente es una película de comedia y de crimen, pero como el crimen se describe de forma cómica, creo que sería más conveniente dejarlo en comedia pura.

Si te gusta la comedia y te intriga ver el problema del narcotráfico desde otro punto de vista, esta es una película que sin duda debes de ver.

NOTA: Los bloopers del final de la película, son la mejor parte.

 

El peor vals de tu vida

Por:

Iris Amandy González y

José Manuel Reyes

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Después de una charla, donde dos amigos recuerdan el crudo impacto de la guerra y las pesadillas recurrentes que la culpabilidad les provoca. Uno de ellos, Ari Folman, descubre que no recuerda nada acerca de su violento pasado durante la Guerra de Líbano y solo una visión donde observa cómo bengalas iluminan el oscuro cielo de Beirut, siendo este el recuerdo de una de las masacres más horribles en la historia de la humanidad donde Folman participó de manera indirecta. Ahora, después de tal charla el ya veterano director de cine se encargará de recordar qué sucedió aquella noche.

Vals con Bashir, es la película-documental del director Ari Folman, donde él mismo por medio de entrevistas, va narrando su descubrimiento acerca de la masacre y los comienzos de la guerra del Líbano. La trascendencia de dicho filme es que esta compuesto completamente por animaciones, donde se pueden recrear los hecho violentos e incluso las alucinaciones de los distintos personajes-entrevistados. Esto con el fin de dar un retrato más fiel al espectador, sin caer en el uso de secuencias reales que puedan perpetrar más en el morbo, que en la verdadera apreciación de un suceso tan delicado. Muy bien justificado y manejado por el director debido a la crudeza del contenido tan fuerte que  implican estos hechos brutales.

El director no solo utiliza los relatos tortuosos de cada uno de sus compañeros de infancia y de combate, sino que también comparte momentos con psicólogos que le ayudan a comprender el porqué de su amnesia selectiva, dando a conocer situaciones peculiares como por ejemplo la generación de recuerdos jamás vividos en las personas o los traumas transmitidos de generación en generación.

En segundo plano cabe resaltar el vivo retrato de los combatientes en dicha guerra, relatos tan macabros como el desconocer a qué se disparaba y al mismo tiempo cuestionar la fe que se tiene a lo desconocido. El regocijo y la seguridad que un tanque puede dar a sus refugiados, pero al mismo tiempo el increíble momento de desesperanza y fragilidad al ser desprovistos de su acorazado. Todos ellos, como ya lo he dicho resultan ser bien manejados por medio de la animación ya que no quitan la crudeza que la guerra puede tener, sino que a pesar de ser una netamente caricaturas, somos capaz de ver las entrañas saliendo, muertes horribles y desesperación en cada uno de los soldados.

Después de todo el viaje y varios momentos de reflexión, Folman descubre realmente cuál fue su papel dentro de la masacre, además de comprender el por qué de su culpabilidad. Si bien, no es necesario explicar el lugar donde estuvo el director, si es muy importante hacer hincapié en la crudeza y deshumanización que revela toda la matanza de Sabra y Chatila. Un gran acierto es el momento en que todo el horror mostrado en animación se convierte en grabaciones reales, Un muy fuerte contraste que desnuda el salvajismo y brutalidad de los hechos ocurridos, que obliga al espectador a percatarse de la gravedad de la situación e identificarse en ese dolor ajeno e impotencia que sienten aquellas mujeres con sed de venganza ante este cuadro tan desalmado.

Es muy poco común que nos topemos con un documental que posee un giro en animación.  Ya que de manera inmediata, por el simple hecho de ser dibujos animados lo relacionamos con los niños, arriesgándose a caer en el error de ser malinterpretados y pensar de esta manera. Pero no es así,  el target al que va dirigido es bastante claro, al público adulto, y esto se debe al estilo de animación que maneja, la cual va muy acorde con el tipo de contenido que involucra.  La gama de colores va de los amarillezcos, azulosos y grisáceos que se conservan en todo el filme, los cuales le otorgan esa esencia que lo caracteriza y enfatiza el dramatismo de la narración.

Nos agradó mucho la manera en la que el director muestra a la audiencia la otra cara de un militar. Ahogado en miedo, angustia, delirios, traumas, pánico,  dejando a un lado el estereotipo de aquel soldado, fuerte, valiente, inhumano, que está seguro de lo que hace y limita a seguir un protocolo. De tal modo, que se genera una cierta empatía con estos mismo, dándonos cuenta  de que son seres humanos al igual que nosotros, y por ende, están expuestos a sentir una diversidad de emociones negativas frente a este cuadro tan atemorizador.

La crudeza ha de acompañar muy bien a este vals. Rescatando, ya para finalizar, dos escenas que tienen un gran impacto en el documental, una de ellas es por la cual se lleva el titulo el documental, nos referimos al baile con la ametralladora hacia lo que fuera, ya que la música, narración y colores dan un perfecto estado irreal que al mismo tiempo sumerge al observante en dicho momento. En segundo lugar, la alucinación dentro del aeropuerto, ya que imaginar la paz y los “tal vez” en medio del caos resulta ser probablemente una de las cosas más desequilibrantes y desmoralizadoras que una persona puede vivir. Bien lo dijo Horacio Quiroga: “Nada hay más bello y que fortalezca más en la vida que un recuerdo puro”, y precisamente, la ausencia de un recuerdo puro, tan solo las tiendas de duty free o el tablero de anuncios, podía levantar el animo de un simple soldado de 19 años, pero el regreso a la realidad resulta ser bastante duro. Simplemente una joya de relato.bashir

Sin duda una gran película, es impactante en todos los sentidos, los tonos saturados y los trazos sencillos de las figuras humanas, hacen que este documental sea todo, menos el típico rodaje aburrido que intenta mostrarnos el horror de ser un ser humano.

Salón México.

Por: Sharly Tlapa e Iliana FC

Salón México es una película dirigida por Emilio Fernández en el año 1948, una producción de CLASA Films Mundiales. Su duración es aproximadamente a 90 minutos y actualmente se encuentra en el número 28 de las 100 mejores películas mexicanas.

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Al ver esta película, nos hace recordar e incluso a conocer muchos aspectos de los años 40, por ejemplo la

forma de vivir de la sociedad, la diferencia de clases y la manera en la que predominaba el hombre ante la mujer. De igual forma, se muestra con mucha naturalidad el entretenimiento de la época.

salon1948Una característica que hace diferente a esta película, es que de entrada nos da una idea de lo que podemos esperar del filme y marca muy precisamente la personalidad tan marcada de dos de los protagonistas, Mercedes y Paco.

La película es simple, está muy bien cuidada y no necesita de efectos especiales para completar y generar emociones. En este caso, la música es la herramienta principal para hacerle notar al espectador que algo está por suceder o le da énfasis al dramatismo de la película. Sin duda, la música es una pieza vital para transmitir emociones en esta película.

La historia es un reflejo de la sociedad y describe de forma muy tradicional las costumbres de aquél lugar tan emblemático de la época, el  Salón México.

El lenguaje que se maneja en el filme es muy popular y fácilmente entendible, sin embargo, maneja mucho drama en su historia y es un rasgo que no podría ser apto para todo público y para todos los gustos.

Desde el inicio podemos ver parejas en un concurso de baile, no es cualquier baile si no lo que se conoce como danzón. Como sabemos, es originario de cuba pero su popularidad surge en nuestro país entre 1900 hasta 1940, de ahí nacen

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nuevos géneros musicales.

Del danzón pasamos a danzas africanas, donde el ambiente es más de fiesta y despreocupación. Aunque todo está en un ambiente de fiesta, las clases sociales son diferentes pero aún así las mujeres guardan una postura impecable en su aspecto personal. Llama mucho la atención la vestimenta tan pulcra, la elegancia y el porte que todos tenían.

En aquella época, e inclusive  algo que creo que no ha cambiado mucho hoy en día, es la forma de pensar de las personas. Muchas de las cosas que hacían o decían estaban y siguen estando mal vistas por la sociedad, y aunque las personas lo hagan por necesidad, éstas siempre serán juzgadas por lo que hacen.

Por ejemplo, Mercedes siempre hizo todo lo posible para ganar dinero bailando y poder sacar a su hermana Beatriz adelante y el único que lo valoraba era Lupe. Ella siempre fue una mujer entregada, noble y humilde. Vivía en la típica vecindad mexicana y por azares del destino cayó en manos de Paco, un hombre machista, ambicioso e interesado que no soporta el rechazo de alguna mujer en este caso de la hermosa Mercedes. Por esta razón decide perseguirla poniendo en practica la frase de “si no eres para mí, no serás para nadie”, desencadenando un final impresionante que muy pocos esperaban.

Para finalizar, una de las características más destacables de la película, es que tiene la personalidad de los personajes muy definida. Durante todo el filme logra que el espectador cree una empatía con las situaciones que viven sus protagonistas. Bien puedes odiar a Paco, sentir lástima por Mercedes o admirar al buen Lupe por su nobleza y amor sincero.

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Mientras tanto, lo único negativo es que algunas veces es muy desafortunado que el filme sea en blanco y negro, pues se llegan a perder muchos detalles de los rasgos de las personas o de los lugares, y únicamente llegan a distinguirse manchas o sombras oscuras.ue vivían sus protagonistas. Bien podrías odiar a Paco, sentir lástima por Mercedes y admirar a Lupe por su nobleza. No cabe duda de que son personajes entrañables que sí llegan a transmitir fuertes sentimientos.

Nota: Cuando Lupe y Paco se agarran a golpes, Lupe le da un golpe y Paco cae extrañamente hacia el lado contrario. Se justifica un poco si Paco se desvaneciera y cayera casi noqueado, pero de todos modos la fuerza del golpe debería llevarlo al otro lado. (Min. 29:35)

Oda a Oblivion

Por: José Manuel Reyes

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“And how can man die better
Than facing fearful odds,
For the ashes of his fathers,
And the temples of his Gods”

En un futuro distópico donde alienígenas destruyeron la luna e invadieron el planeta Tierra, obligando a los humanos a huir de ella, dejando completamente radiactiva la superficie terrestre. Jack Harper, un técnico especialista en la reparación de drones, cumple sus últimos días de servicio antes de abandonar el planeta para partir a la luna Titán, la caída de una nave pondrá en entredicho todo lo que él creía saber y hará dudar su lealtad hacia lo que él cree correcto.

Oblivion, resulta ser la obra más reciente del director estadunidense Joseph Kosinski, a quien podemos recordar por ser el cerebro visual y narrativo del filme Tron: Legacy. Ahora echando mano de tecnología de punta y sus grandes conocimientos en diseño y arquitectura. Nos trae una película de ciencia ficción que nos hace pensar que han vuelto aquellos largometrajes donde una trama bien aplicada, mas efectos de excelente manufactura no deben estar peleados. Si alguien tuvo el disgusto de ver películas como Matrix Revoluciones o Species o Battle Los Angeles, sabrá de lo que hablo.

La película se centra en el personaje de Jack Harper, interpretado por el actor de bolsillo más cotizado de Hollywood: Tom Cruise. Quien en esta película cumplió los ya muy lejanos 50 años, haciendo parecer que tiene guardado en alguna de sus mansiones un cuadro de él pudriéndose (Si no entendieron la referencia, siempre existe San Google) A Cruise lo acompaña lo que parece ser la nueva actriz en ascenso Olga Kurylenko, probablemente la recuerdes por ser la última chica Bond en Quantum of Solace. El elenco estrella lo termina completando Dios…ok, no es Dios, me refiero a Morgan Freeman, el afroamericano octogenario más badass de la industria.

Como ya lo dijimos en la breve sinopsis, Jack, trabaja sin descanso todos los días reparando drones esféricos que se encargan de proteger máquinas enormes encargadas de succionar el agua de los mares, la cual es utilizada para proporcionar energía al Tet, que es una enorme estación espacial orbitando la Tierra, ahí está una colonia humana lista para partir a Titán, una luna de Saturno, la cual es el lugar idóneo para continuar la vida del ser humano.

Pero, ¿A qué se debe que Jack se la viva reparando drones? La respuesta se encuentra en suelo terrestre, ya que ahí habitan los últimos sobrevivientes alienígenas de la guerra que hubo apenas años atrás, se les llama Carroñeros, pero más que nada son como los Al Qaeda versión Jaime Mausán. Todo pareciera ser normal, lejos de que Jack arriesga la vida todos los días, pero Jack no está tranquilo, los constantes sueños donde el se mira con otra mujer en el Empire State lo tienen intranquilo. Él y su compañera Victoria están a solo dos semanas de subir al Tet, pero la caída de una nave con humanos van a cambiar por completo la trama de la película.

Estoy escribiendo estas líneas con toda la intención de no dar ningún spoiler por accidente, ya que a mi parecer, Oblivion maneja un excelente factor sorpresa que al menos a mi, cuando la vi en el cine (y apenas hace unas horas en la comodidad del Blu-ray) me hizo poner una cara de “What da f…”. Por lo cual creo que pasaremos al análisis de otras cosas, a fin de espero, crearles un poco de curiosidad para que la puedan rentar, comprar o bajar (legalmente) y le dediquen un poco de tiempo.

Como ya lo dije, Joseph Kosinski es el director de esta película, y a mi parecer vaya que no decepciona, ya que el manejo de la historia resulta bastante ágil, más si hablamos de un tema tan postapocalíptico, mezclado con algo de romance y la ciencia ficción en su máximo esplendor. A mi parecer, además de la dirección, rescato dos cosas más acerca de Oblivion.

La fotografía, creada por alguien a quien no ubicamos tan fácil pero resulta ser un gran orgullo latinoamericano, Claudio Miranda (Life of Pi, Tron: Legacy e incluso gaffer en Fight Club y jefe de iluminación en Seven) quien se armo de una avanzadísima y poderosa cámara Sony F65 CineAlta, grabando a una resolución de 4k –que desgraciadamente le hicieron el downgrade a 2k en postproducción- y una gran mayoría de rodajes en exteriores, evitando lo más posible el uso de la pantalla verde, le dieron al clavo en lo que intentaron retratar en Oblivion, contrastando los paisajes verdes, los destructivos, los apocalípticos y los espaciales. Definitivamente es junto con Prometheus, de lo mejor que hay visualmente hablando en ciencia ficción de los últimos años.

Segundo, la música fue compuesta por Anthony Gonzalez (músico de M83) y Joseph Trapanese, quienes, a diferencia de la pasada película de Kosinski que fue Tron: Legacy, dejan muy de lado el ruido electrónico que marcó Daft Punk y se dedican a la creación de piezas orquestales de gran calidad, dando heroísmo, nostalgia y redobles de sacrificio en cada una de las 29 piezas que componen el score, es bastante profundo y pareciera haberse hecho a la medida de cada segundo de la película. Rescato la pieza “Return to Empire State” que es una verdadera belleza.

Las actuaciones, si, ese es el punto que no me gusta tocar ya que creo yo es lo que hace flaquear la película. Tom Cruise parece ya demasiado acostumbrado al papel de héroe y ahora el factor edad ya comienza a pesarle en su topgunezca espalda, lo malo de esta costumbre a las películas de este estilo es que lo hacen sentir ya no tan espontaneo como en, por ejemplo, Misión Imposible. Olga Kurylenko realiza un trabajo adecuado aunque casi no se le dan minutos a cuadro.  Andrea Riseborough resulta ser a mi parecer, el eslabón débil, ya que carece de muchas expresiones y a veces no sabemos si está enojada, asustada, excitada, emocionada o qué. Por último, Morgan Freeman hace un buen papel, solo que en él ya pesan otros papeles como por ejemplo Wanted, que pareciera ser, la copia fiel de sus personajes: rudos, esperanzados, pelados y con mucha sabiduría, lo que conocemos como el típico black tough mofo.

Oblivion es bella en lo estético y en la historia, con un  giro de tuerca casi tan bien sostenido como lo es Watchmen, pero las actuaciones pueden hacerla algo pesada. De ahí en fuera es una gran película para disfrutar en donde quieras, aunque está pensada para ser reproducida en tu casa, en una buena pantalla de alta definición y un teatro en casa de 5.1 canales. Solo así vas a poder disfrutarla como Morgan Freeman manda… o sea Dios.

No se aceptan devoluciones

Por: Iris Amandy Gonzálezdevoluciones3

Este fin de semana, por fin tuve tiempo para poder acudir al cine y ver la película más hablada por todos en estos días, “No se aceptan devoluciones” Dirigida, producida, escrita y actuada por el tan querido cómico mexicano Eugenio Derbez.

Había escuchado tanto buenos como malos comentarios de este filme, aunque más allá de estos, me interesaba verla por el simple hecho de que ha roto record en taquillas tanto en Estados Unidos como en México.

Me imaginaba que sería una película “palomera” por así decirlo, fácil de digerir,  lo comercial era evidente. Nunca llegué a pensar que pudiera ir más allá de un cliché melodramático y que pudiera ser candidata a representarnos como película extranjera en los Oscar. Sinceramente siempre me ha gustado Derbez y sus programas, estoy consiente de que es mero entretenimiento pero me parecía divertido para pasar el rato.  Deliberé que la película sería una derivación de sus producciones comerciales que nos divertiría un buen rato.

Pero me decepcioné bastante. Nunca me había topado con un material cinematográfico de tan mala edición, postproducción y efectos visuales tan obvios al público.  Lamentablemente, ni  siquiera pude concentrarme en la trama debido a que toda mi  atención se centraba en los puntos débiles que mencioné anteriormente y me distraían por completo.  Antes de haber visto esta cinta, había escuchado la opinión de viarios actores que han trabajado con Eugenio, catalogándolo como un excelente maestro, que los ha enseñado a ser perfeccionistas y repetir una y otra vez una misma escena hasta que quedar bien. Lo que me llevó a cuestionarme en cómo podía ser posible que  alguien que supuestamente es tan “perfeccionista” pudiera aprobar la exhibición de su filme con tantos altibajos.

El conjunto de catastróficos errores como: una escena proyectada en baja calidad, un bebé pixeleado, un corté brusco para acortar la secuencia de Sammy, el constante recurrimiento a pantalla verde con un pésimo chroma key, me hicieron aborrecer la película.

En cuanto a la estructura narrativa creo que fue muy deficiente, la historia se volvió muy plana y predecible. Los chistes no causaban gracia, ya que varios de ellos eran reciclados de sus programas anteriores de Derbez. No pude distinguir cuales eran los plots o el nudo central en la trama. En teoría, de acuerdo a como nos lo manejaron en el tráiler, la problemática sería la custodia de la niña. Pero en el filme esta esencia se pierde, el juicio se resuelve con facilidad, por lo que me hacía dudar si la problemática central habría sido esta o la enfermedad terminal de uno de los personajes principales.

El matiz de telenovela mexicana a veces sobresalía en la cinta. En especial creo que el desenlace pareció un final de novela.  En lo personal, pienso que sucedió como esas veces en las que los melodramas mexicanos, en su último capítulo, resuelven todos los subtramas, donde es evidente una falta de tiempo que los conduce a una improvisación de su final. No se si sea sólo mi mera percepción o a muchos les sucedió lo mismo.

Por último, si pudiera rescatar algo de ella, sería la parte creativa de las secuencias en fieltro que fueron realizados con stop motion, la buena pronunciación y manejo de los dos idiomas  por parte de la niña. Así como la excelente decoración e ingenio de la recámara de la pequeña.  En cuanto a la fotografía la considero que fue decente comparado con los demás elementos del audiovisual.

Para los que no la han visto, no se pierden de nada. Si desean verla, deben de estar mentalizados de la simplicidad que conlleva. Y para los que ya la vieron, me gustaría poder escuchar su opinión y saber si coincidimos o no en nuestras percepciones.
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El Gran Gatsby (2013)

Por: Sharly Tlapa.

Duración: 143 minutos.

Género: Drama/comedia.

Idioma: Inglés.

Película basada en la novela “The Great Gatsby” escrita por F. Scott Fitzgerald y adaptada a la filmación de 1974. Actualmente la película fue producida por Bazz Luhrmann y protagonizada por Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Tobey Maguire.

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La película tuvo algunos cambios en su adaptación y eso la ha llevado a tener muchas críticas tanto positivas como negativas en comparación con la original de 1974.

Antes de empezar a profundizar más sobre “El Gran Gatsby”, debo confesar que la primera vez que vi esta película realmente no esperaba mucho de ella e incluso cuando terminó quede un poco decepcionada por algunas cosas, pero semanas después tuve la oportunidad de ver videos sobre la producción y post producción de la misma y quedé impactada, hizo que cambiara mi opinión negativa y se convirtiera en una de mis películas favoritas, aunque todavía tiene algunas cosas que a mi parecer no encajan con el contexto.

Continuando con el tema…

Historia:

El trama se desarrolla en los años 20, en la ciudad de Nueva York, en donde un hombre misteriosamente multimillonario conocido como “El Gran Gatsby” ofrece magnates fiestas y solamente gente privilegiada tiene la oportunidad de ser invitada, nadie sabe el porqué de sus fiestas e incluso todos hablan de él pero nadie lo conoce.

Hasta que un día Nick Carraway recibe una invitación inesperada para asistir a una de las fiestas de Gatsby, llevándolo a averiguar el por qué lo invitó,  qué quiere de él e incluso el simple hecho  de resolver la mayor incógnita de todas, ¿Quién es Gatsby? Y ¿Por qué nadie lo Conoce?

Este suceso lleva a Nick Carraway a vivir una de las experiencias más grandes de su vida, llevándolo a conocer la verdadera historia detrás de Jay Gatsby, mejor conocido como “El Gran Gatsby”.

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Análisis:

La película nos muestra más sobre la vida en los años 20, los excesos, el comportamiento en la sociedad tras haber pasado tiempos de guerra, diferencia de clases sociales, falta de comunicación, represión, miedo, el hombre se sentía dueño de la mujer, en donde la clase alta reinaba de lujos, fiestas, pero aun así sus vidas eran vacías.

Las primeras imágenes que nos muestra el filme es a Nick Carraway escribiendo un libro y narrado la historia  de Jay Gatsby por medio de un flashback.

Desde ese momento la historia empieza a tener sentido, la actitud de los personajes, el vestuario y los accesorios bien elegidos, las tomas están perfectamente cuidadas al igual que los efectos especiales. Aunque muchas veces hacen que las locaciones se vean poco realistas, pero hay algo que aún no me logra convencer: la música, ya que siento que no van con el contexto, no hay una relación congruente entre las escenas de baile con la música que nos están manejando, son los años 20, algo más estilo Moulin Rouge, no un antro del 2013.

La utilización de la imagen una y otra vez de “los ojos de Dios” le quitó al espectador la capacidad de sorprenderse volviéndolo como algo monótono, en lugar de volverlo algo realmente característico de la historia.

No puedo juzgar mucho esta parte, ya que no he tenido la oportunidad de leer el libro pero creo que el final lo pudieron manejar mejor pero no lo hicieron, te quedan preguntas por resolver e incluso parece que no había otra forma de finalizar la película… probablemente lo pusieron como estaba escrito y de esa manera no pudieron hacer mucho al respecto.

A mi parecer “El Gran Gatsby” no es mala pero tampoco la mejor, como todas las películas tiene sus pros y sus contras, pero aun así vale la pena verla.

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