Koooyaaanisqaaatsiiiii ♫

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Por: Iliana Fornaguera

De inicio, el nombre impresiona. Normalmente cuando nos dicen el nombre de un documental, ya tenemos más o menos una idea de lo que podemos esperar, sin embargo en este caso eso no es posible. Ante tal incertidumbre, no me quedó de otra más que averiguar de qué se trataba.

Cuando empecé a ver el video y escuché el tipo de canción tan peculiar con un profundo “koyaaaaanisqaaatsiii” me dio mucho miedo. En cuanto lo escuché, automáticamente recordé los cantos gregorianos y, por razones que todavía desconozco, confieso que ese tipo de música me provoca mucha angustia.

Con todo y los sentimientos que generó en mí la música inicial, continué viéndolo e inclusive terminé con la canción pegada por un rato. Afortunadamente la canción cambió y se volvió mucho más agradable y pude disfrutar un poco más de las espectaculares imágenes de la naturaleza que se muestran.

Cada sitio mostrado en el documental es increíble. Lo que este documental nos permite ver es la majestuosidad de la naturaleza en su máximo esplendor y de una forma pausada y tranquila, tal y como es la naturaleza. Creo que para muchos, ver este documental implica un momento de relajación muy agradable durante los primeros minutos.

Posteriormente, un cambio en la música hace notar que algo está por suceder. Justo cuando yo esperaba algún desastre natural o algún suceso relacionado únicamente con la naturaleza, llega lo que parece ser un camión. Esa imagen es la que desencadenaría una serie de situaciones donde se comienza a ver cómo toda la belleza de la naturaleza se ve opacada por industrias y por factores que la deterioran y desgastan poco a poco.

Conforme avanza el documental, se van mostrando grandes edificios y lugares que han sido abandonados, imágenes sin duda muy dramáticas e impresionantes después de ver a la naturaleza de forma tan linda.

Sin embargo, algo aún más impresionante es el flujo de personas que se muestra en el video. Son demasiados los seres humanos que aparecen y personalmente creo que parecía hormiguero. De forma muy inesperada, de repente me di cuenta de que la velocidad del video era bastante más rápida que las imágenes tan agradables del principio del documental. Ahora todo era con un ritmo mucho más rápido y las personas trabajaban como verdaderas máquinas.

Así como se muestra la vida cotidiana de las personas, también se externa la forma en la que la sociedad ha ido destruyendo y perjudicando todo aquello tan agradable que la madre naturaleza nos da, dando un dramático mensaje.

La idea del documental y lo que busca transmitir es muy claro. El hombre se ha encargado de desarrollarse y superarse, pero a la par de ello ha destruido al planeta tierra y ha dejado de lado todos esos espacios natu

koyaanisqatsi

rales que algún día fueron añorados por muchos.

Al principio se muestran unas pinturas rupestres que, para mí, hacen referencia a la época del hombre primitivo donde el planeta se encontraba prácticamente intacto. Esas mismas imágenes se muestran al final del video, y tomando en cuenta que lo que se narra en el documental es un ciclo o una secuencia de la vida del hombre, puedo pensar que la aparición de esas pinturas rupestres señala que el hombre nuevamente llega a una etapa primitiva de acciones completamente irracionales.

Me agrada mucho el mensaje que se plantea a la perfección y aplaudo el hecho de que no se haya tomado a un narrador como recurso y que se haya buscado algo diferente, sin embargo creo que para mí un pequeño diálogo habría hecho al espectador sentirse parte del documental y no sentirte olvidado. De igual forma tomo como un acierto enorme la breve explicación del significado del nombre del documental, pues al principio mi ignorancia me hizo pensar que era alguna onomatopeya y dicha explicación se encargó de dar un significado aún más profundo y con más valor.

Ver Koyaanisqatsi fue una experiencia muy diferente pero agradable. Es un documental con mucho mensaje y con un gran significado simbólico y, sobre todo, con un aprendizaje. El documental fue realizado hace 31 años y desde ese entonces ya se tenía clara la destrucción del hombre, por lo que sigo sin saber porque seguimos empeñados en destruir la naturaleza de forma tan absurda.

KOYAANISQASTSI

 Por: Iris Amandy González 

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Koyaanisqatsi como bien han dicho, es una verdadera obra de arte. Un documental muy completo y bien estructurado, con un inicio y fin, cíclico. Sabemos que nos hace mención de la evolución de la tierra y el cambio que originó la llegada del ser humano.

La producción está permeada de altos niveles de significación y simbolismos en sus contenidos. Nos remite a la reflexión, el análisis del entorno y la situación en la que nos encontramos.

El director manejó una temática muy profunda para todos nosotros, que como espectadores podemos contextualizarla.  Sólo se limitó a recurrir una serie de imágenes envueltas en una música minimalistas, pero que de ese modo, logra embellecer lo que vemos en pantalla. Apostó por no apelar al diálogo ni  a la narración. En lo personal, me parece que fue una buena decisión por parte de él,  ya con las puras imágenes, nos va guiando y al mismo tiempo vamos interpretando y analizando lo que observamos de acuerdo a nuestro pensar, formándonos una reflexión propia.

En su inicio se nos presentan paisajes muy hermosos desde sus vistas aéreas. Zonas vírgenes de civilización, prácticamente, edenes naturales llenos de tranquilidad  que podemos contemplar.  Desconozco la razón, pero mientras veía este aparato, no podía sacar de mi cabeza la semejanza que encontraba con odisea 2001 en el fragmento del amanecer del hombre.  La intención es mostrar el  equilibrio que existía entre la tierra y sus cuatro elementos, antes de la llegada de los seres humano al mundo.  Poco a poco se va mostrando la evolución y el cambio que generaron estas civilizaciones para su desarrollo con la implementación de diversas infraestructuras y tecnologías, que en sentido opuesto, han ocasionado este desequilibrio en la vida.  A diferencia del anterior, el cambio es drástico, con el hombre presente se obtiene una sensación de caos, destrucción y violencia.  El cual se enfatiza con la modificación en la música.

Un cuadro vergonzoso, en el que recurrimos a la explotación desenfrenada de los recursos naturales, así como generando un incremento en la contaminación ocasionado por nuestras industrias, es lo que se plasma.  Esta urbanización que se nos muestra en pantalla causa un gran impacto para el espectador, abriéndonos los ojos frente a nuestros actos, por así decirlo.

De igual modo, se hace alusión a las creaciones del hombre.  Mostrando los diferentes artefactos y medios de transporte.  Se hace una comparación entre el original como una herramienta para el beneficio del hombre, con su  semejante pero destinado a otro fin, como es el caso de la destrucción masiva y violencia con las armas y aviones de la fuerza aérea, que solo nos remiten al concepto de Guerra.

Más adelante, se convierte en un reflejo de nuestra sociedad.  Los déficit que tenemos en diversos puntos del mundo, entre la pobreza e insatisfacción de las necesidades básicas.  Aunando a la monotonía en nuestros actos diarios, viviendo para trabajar como si fuéramos viles máquinas.  Siempre en movimiento y fluidez, siendo víctimas de la pérdida del sentido de la vida.

El mensaje es claro, salvar el planeta, volver a generar ese equilibrio. En lo personal me gustó mucho el documental más allá de la temática profunda y reflexiva que maneja. La fotografía y los constantes usos del timelapse engarlardonan el trabajo, mostrándolo más atractivo para el espectador.

Koyaanisqatsi

 

Por: Sharly Tlapa.

Documental dirigido en el año 1982 por el director Godfrey Reggio y musicalizado por Philip Glass.

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Esté documental no es igual a otros, no contiene una voz en off a la que estamos acostumbrados a escuchar… pero en lugar de eso, desde el principio tiene algo que nos envuelve, tal vez sea por su temática  de imágenes y la música que manejan, ya que contiene mucho simbolismo que nos lleva a recordar e incluso conocer de nuestra historia humana.

Koyaaanisqatsi nos ayuda a abrir los ojos y a darnos cuenta de la realidad en la que siempre hemos vivido pero que no somos capaces de ver, e incluso ni siquiera de darnos el tiempo necesario para pensar e investigar sobre nuestros orígenes, que nos lleve a responder una pregunta que quizá muchos nos hemos hecho ¿De dónde venimos?.

Ha llegado un momento en donde estamos viviendo en medio de una sociedad sólida y liquida, en donde los seres humanos nos hemos dedicado a vivir de manera rápida, de manera multitasking, convirtiéndonos en personas ególatras, interesadas por nuestros propios intereses y perdiendo poco a poco nuestra identidad.

Un factor importante de todo esto y la principal causa del incontrolable efecto de la globalización es la tecnología, que ha sido gran parte culpable de que la sociedad actúe de esta manera.

Yo creo que este documental nos quiere dar a entender eso,  como el hombre ha sido la fuente principal de todos esos cambios. Nos pone un claro ejemplo relatado con sólo imágenes de cómo hemos ido evolucionando, pasando de las pinturas rupestres hasta llegar a la destrucción de nuestra historia causada por nosotros mismos.

Las imágenes extraordinarias junto con la música encajan perfectamente y esa es una de las razones que nos atraen a ver el documental llevándonos a hacer una reflexión sobre como hemos cambiado. Nuestro mundo no solo gira entorno a la tecnología, ni a nuestro trabajo o  simplemente a nosotros mismos, si no también hay un mundo lleno de historia de cosas hermosas que no hemos sido capaces de explorar y que están ahí para enriquecernos como personas.

Espero que algún día las personas nos demos el tiempo para apreciar un documental como este y podamos abrir más los ojos.

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Una loca loca vida

Por: José Manuel Reyes

86 minutos de coros evangélicos, teclados sacros y trompetas apocalípticas, junto a una mezcla de imágenes de mil y un tonos. Carente de un solo dialogo, o tal vez algunos hablados en lengua india, no suena a la mejor opción como para querer entrar al cine a ver Koyaanisqatsi. Vamos, cualquiera se podría perder en este tipo de propuesta que nos intenta mostrar la mano del hombre en la tierra, pero después de una segunda analizada, tal vez, las cosas podrían cambiar.

Empezamos con imágenes de una tierra árida, el Gran Cañón si es que no me fallan las clases de geografía de la primaria, de pronto grandes vistas aéreas de la tierra verde, el mar abierto y todos sus misterios junto al resplandeciente sol que choca con su superficie. Bastante poético el asunto, debo admitir que los primeros 20 minutos de este filme son de poner cara de cómo dijeran los franceses: “ne mamez pas”.

No sabes cómo ni en qué momento, pero empieza a verse la mano del hombre, con sus alambres por todo ese desierto tan limpio en su desolada imagen, y de ahí se viene todo el desastre, explosiones, minería, bombas y la destrucción del suelo para la creación de lo que suponemos un lugar más acogedor. Ya empezamos a ver edificios que ilustran de diferente manera el ecosistema, pero algo anda mal y hay que derribarlos, para poder perfeccionar a nuestra sociedad. Todo pareciera un mundo de hormiguitas que solo se dedican a repetir, la copia de la copia de la copia, crear habitaciones iguales, productos estandarizados y la vida siempre igual.

Esta similitud en la vida comienza a dar frutos en la película, nuestra gran obra maestra de puentes, luces, caminos, lujos, trazos. Somos tan perfectos como los chips que asemejan desde una vista aérea nuestra ciudad, la naturaleza y su espacio no puede ofrecernos nada en comparación de nuestro gran mundo tecnológico y colorido, tan lleno de nosotros, tan matrix, tan pop.

Ah, pero llega ese momento, la profecía, la caída de la civilización, donde la estandarización es tal que ni siquiera los personajes de Koyaanisqatsi son capaces de encontrarse en si mismos, todos parecen decir ¿Qué sucede aquí? No existe una solución verdadera, el mundo parece que se va al carajo y por eso debemos salir de él, y nuestra tecnología es lo que apunta como la solución para poder abandonar este cruel mundo que no sirve más. Pero oh sorpresa, somos sorprendidos y caemos desde muy alto de nuestro ego, desintegrándonos mientras caemos a causa de nuestros minúsculos y mayúsculos errores. Bien se decía, las profecías hablaron.

Esta bien, probablemente este es el texto más hipster que pudieron ustedes haber leído, pero sinceramente, eso pienso que pasa por la cabeza del director de Koyaanisqtsi. “Nos estamos llevando al mundo al carajo y nos vamos todos juntos con él”. Digo, no soy una persona súper ambientalista ni nada por el estilo, es más, no separo ni el orgánico del inorgánico. Pero de verdad tantas imágenes impresionan de cual ha sido el avance catastrófico con el fin de llegar a tener todas nuestras comodidades.

Desde la copia exacta de un automóvil, el ser humano tiene la capacidad para ser igual de precisos en la guerra, con producciones en masa de bombas, tanques, tanquetas y aviones. No sé exactamente si esto sirve como un regaño hacia la sociedad o solo funciona para darnos unos golpes de pecho mientras decimos “por mi culpa por mi culpa, por mi gran culpa”.

Resalto tres cosas de esta película, obviamente la primera viene siendo el excelente lenguaje visual de la película, ya que sin un solo dialogo nos habla de un inicio equilibrado, pasar por la deformación, contrucción del mundo artificial, el clímax del mundo artificial y por ultimo el hecatombe del mismo. Sin la utilización de ningún otro medio más que las imágenes y el ultimo punto que tocaré más adelante.

Segundo: la fotografía es de las cosas que más me intrigan, hacen un uso indiscriminado del timelapse, bárbaro diría yo, donde las cámaras fueron posicionadas durante todo un día, podemos ver el movimiento de las nubes, la acción de los oficinistas en puro timelapse. Imagino yo, que cada secuencia de fotografías debió ser una anécdota para los involucrados, ya que este es un trabajo que pinta para más de un año de realización, y estamos hablando solo del timelapse. La parte B de la fotografía, me refiero a los seguimientos de las personas, el momento poético del bombero en el barrio de negros que termina reflejándose entre escombros en un charco de agua o la mujer que no puede prender su cigarrillo resultan cautivadores.

Por último punto, Philip Glass… qué se puede decir de este hombre, básicamente es un genio al crear la música de Koyaanisqatsi, perfectamente empalmada con cada secuencia de la película, nada falta ni nada sobra. El máximo momento es cuando comienza Prophecies, la canción final, comenzamos a ver el declive de la sociedad y como una especie de broche de oro, la explosión del transbordador mientras se recita “Koyaanisqatsi”. Sencillamente no hay palabras para el excelente trabajo de este músico.

Ya había tenido la oportunidad de ver esta película, gracias precisamente a dos nombres Zack Snyder y Philip Glass, ya que en la película The Watchmen, Snyder utiliza dos canciones de Koyaanisqatsi mezcladas, se tratan de Pruitt Igoe y Prophecies, hacen un momento climático en Watchmen, e investigando supe de Philip Glass, para terminar viendo el experimento que resulta esta película, que si bien, me agrada, entiendo que no es digerible para cualquiera. Pero vamos, si la humanidad ha soportado películas de Uwe Boll, libros de Paulo Coelho e incluso 13 discos de Ricardo Arjona, no creo que les haga ningún mal el ver una película completamente diferente de tan solo 86 minutos.

When You’re Gone

Por: Iris Amandy González.

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When You’re Gone es el segundo sencillo del álbum The Best Damm Thing de la cantante canadiense Avril Lavigne. El video fue dirigido por Marc Klasfeld. Mundialmente la canción logro vender casi 3.000.000 copias, estando entre las 30 canciones más vendidas de 2007.

ANALISIS

Al inicio se presentan en fragmentos muy generales las diferentes historias que se irán desenvolviendo en el clip.  Primero sale a cuadro una pareja de adultos jóvenes, posiblemente casados, charlando en el pórtico de su casa. El lleva puesto el uniforme del ejercito.  Por otro lado,  una nueva trama se nos despliega,  dos adolecentes enamorados, tallando sus iniciales en un tronco, luciendo muy felices juntos.  Y finalmente la tercera historia,  un señor de la tercera edad,  sentado a un lado de la cama, cuando voltea a ver tristemente el vacío que hay en el lado opuesto. Desconocemos qué es lo que sucedió, pero podemos percatarnos de que alguien le hace falta.

Avril Lavigne no es la protagonista en su videoclip, ella funge como  un narrador y observador externo.  Se limita a cantar y tocar la melodía.  Se encuentra en una habitación vieja, empolvada y olvidada. Toda la escenografía es muy gris y fría, pero ella  resalta por ser la única de blanco, pudiendo representar la esperanza.

Las tramas comienzan a desarrollarse. Vemos como el soldado se despide de su esposa, el camión de reclutamiento pasa por él y se sube.  Podemos comprender que se dirige a la guerra. Mientras tanto la esposa lo mira fijamente con desesperación,  es ahí  donde se hace un tilt y en primer plano nos muestran sus manos en su vientre ya crecido, sujetando a su bebé.  Son muy cuidadas las tomas anteriores para que hasta ese momento el espectador se de cuenta de su embarazo y ocasione mayor dramatismo.

Los jóvenes enamorados vuelve a salir a escena, derrepente los interrumpe la madre de la chica, la separa y la regaña. Es  bastante obvio que no aprueba la relación. Podemos inferir que se debe a las distintas clases sociales debido a su forma de vestir de cada uno. La Madre y la Hija lucen muy refinadas, con atuendos color pastel, su vestimenta es muy conservadora. En cambio, el chico parece ser todo un rebelde, cabello largo, mezclilla desgastada, playera y tenis negros, , usando un paliacate oscuro amarrado en su muñeca.

Volvemos con el solitario anciano. El continúa en la habitación. Ahora contempla las fotos de su esposa y llora desconsoladamente mientras las ve. Se acerca al closet donde se encuentra la ropa de su mujer, toma algunas prendas en busca de su olor característico. Podemos deducir que su esposa recientemente falleció. Es increíble el dolor que transmite en pantalla. Comprendemos su desesperación y tristeza a la que se está enfrentando.

Las historias van tomando forma. En este punto todos los protagonistas se encuentran separados y desdichados. La esposa del soldado se la vive sintonizando las noticias de la guerra,  preocupada porque el padre de su hijo esté sano y salvo.  El amor prohibido que presenta la segunda historia continúa,  la chica es encerrada en su cuarto por su madre,  sin poder estar de nuevo con su novio.

En este punto llegamos al clímax del videoclip y  la melodía. Donde se lleva acabo un twist en las tramas. Podemos ver a Avril Lavigne en esa habitación solitaria cuando las paredes comienzan a romperse y desmoronarse. Metafóricamente trata de transmitir el mensaje de luchar contra todos esos obstáculos y adversidades que nos imposibilitan nuestra felicidad.  Mientras tanto, las subtramas vuelven a aparecer, pero en todos los casos sucede esta mis acción, las paredes se caen. Todos esos impedimentos que no les permitían estar con sus seres queridos se vienen abajo, las barreras se destruyen. Cada personaje está expuesto a diferentes escenarios dependiendo de su mayor anhelo al que aspiraba.  Es decir, la esposa del soldado,  se encuentra presente en  la conferencia del ejército donde está su esposo.  La joven puede volver al campo boscoso en el que talló sus iniciales con su novio. El Señor de la tercera edad es expuesto al cementerio donde se encuentra enterrada su esposa.  Finalmente todos ingresan a esos escenarios tan deseados por ellos mismos y se reúnen con esa persona especial que tanto extrañaban para sentirse sumamente felices. El anciano se coloca su traje y se dirige a la tumba de su mujer para festejar, lleva dos copas y un vino.  La joven talla un “por siempre” en el tronco, con lo que queda satisfecha.  Por último, a la esposa del soldado le llega un mensaje de su marido, diciéndole que se encuentra sano y salvo y que la extraña.

La intención de llevar acabo tres diferentes historias al mismo tiempo, nos lleva a pensar en que no estamos solos, hay una gran cantidad de seres humanos que se encuentran en una situación similar, con los que compartimos ese sentimiento. Algunas podrán tener mayor peso que otras o ser más difíciles de enfrentar, pero al final de cuentas, todos los protagonistas echan de menos a una sola persona.

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F**kin’ Perfect!

Por Iliana Fornaguera

“Fuckin’perfect” o “Perfect”, es una canción lanzada en el 2010, e interpretada por Pink. Fue compuesta en coatoría por la cantante, Shellback y Max Martin. El video de este tema, lanzado el 19 de enero del 2011, cuenta con 56.609.206 visitas en youtube y a decir por los comentarios, se ha convertido en muchas personas un himno y una motivación.

Ahora, es necesario ver el video. Si te disgusta o impresiona la sangre, puedes saltar la parte del minuto 2:35 y pasar al 2:55.

Elementos importantes:

  • El osito de peluche: Este representa toda su infancia y es finalmente el que de alguna manera la motiva para convertirse en alguien de provecho y en sacar y canalizar sus frustraciones mediante el arte.
  • Mejillas manchadas con pintura: Dan una pequeña señal de lo que se convertiría de grande la niña.
  • Look gótico: Era la forma en la que ella buscaba externar su sentir y su tristeza.
  • “Skinny Bitches”: Externa la presión y deseo por querer transformarse en una de esas mujeres lindas y delgadas que admiraba.Image
  • Cuerpo esquelético: Hace notar que su extrema delgadez es producto de la anorexia a la que llegó por querer ser delgada.
  • “Perfect”: Muestra la presión que ejerce la sociedad para convertirse en una persona perfecta
  • Cortarse el cabello: Representa una renovación y un cambio de vida.
  • Maquillaje oscuro: A pesar de que aparentemente ya se había realizado como persona, su maquillaje cargado hacía notar que en ella seguía permaneciendo ese lado triste que prevalece en toda la historia. Al principio su maquillaje era oscuro y descuidado, mientras que al final continuaba siendo oscuro pero más cuidado y sofisticado.
  • “You are perfect to me”: Palabras que le dice a su hija para hacerle notar desde niña que es perfecta y elevar su autoestima, con el propósito de no padecer después.

Interpretación:

La razón por la que esta melodía  y el video es tan conmovedora para muchas personas, es porque en su video y en su letra nos muestra en pocas palabras cómo a pesar de nuestro sentir, nuestra falta de seguridad y nuestros problemas, podemos ser perfectos de diferentes maneras.

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Ambos tratan de dar el mensaje de que nos enfrentaremos a una vida dura con muchos problemas y personas que se atrevan a juzgarnos, con altas y bajas, pero lo mejor que podremos hacer es salir adelante.

La mujer desde niña tuvo problemas de autoestima y eso lo reflejó a lo largo de toda su vida con inseguridades hasta que finalmente decidió salir y enfrentar al mundo, y es precisamente a lo que la cantante nos invita. Sin importar la vida que nos haya tocado, lo importante de todo es enfrentarla y hacer que saque lo mejor y no lo peor de nosotros, pues pase lo que pase seremos perfectos de cualquier forma y podemos con cualquier adversidad.

No obstante, la crudeza plasmada en el video causó controversia para algunas personas y para algunos canales de música que censuraban muchas de las partes. Sin embargo, para otros tantos representó un acto de valentía por parte de los realizadores por mostrar la realidad de esa manera tan directa, pues es algo que pocos se había atrevido a hacer.

Finalmente lo único malo que podría decir de este video, es que la niña que sale viendo a la fiesta tiene los ojos azules, y el resto de los personajes que interpretan a la actriz tienen ojos cafés, aunque con todo y ojos azules la pequeña sí se parece a quien debería representar.

Hurt (Canción corta-venas)

Por: José Manuel Reyes

Hurt, es una de esas canciones que a muy pocos le podría llegar, pero cuando pega, parece que te dieron un martillazo tamaño Mjölnir de Thor o algo similar. En resumidas cuentas hablamos de un paso de tiempo y la soledad que viene casi por default mientras vamos adentrándonos más a la madurez de nuestra vida. Podemos retratar está canción de muchas maneras y al punto de vista personal, todavía sobran las maneras de explicarla.

Este, para empezar no es un video con la canción de estudio, donde el frontman simplemente hace sus suertes de centro de atención o se la viven lamiendo martillos (whoa Miley). El video es en realidad una actuación en vivo de la banda Nine Inch Nails, donde solo aparecerá su cantante, mientras tanto podemos ver varias imágenes un tanto curiosas y extrañas.

El primer plano es una toma muy cerrada hacia una mandíbula, y al correr la cinta resulta ser un timelapse en reversa de la descomposición de un zorro, de pronto, la pantalla se vuelve blanca y podemos apreciar unas manos hasta la parte baja que puede sacarnos del ambiente, en eso una voz que no se muestra de donde proviene vuelve a meternos a la atmosfera… lo sé, eso sonó como de crítico de Ibero90.9.

“I’ve hurt myself today… to see if I still feel” se entona y entonces una bomba atómica explota en la pantalla, volvemos al zorro descomponiéndose, todo es en blanco y negro, ahora vemos a un soldado herido y algunos cadáveres. Esto comienza a verse demasiado fúnebre. Una silueta de un hombre al centro de la pantalla se puede observar, es el cantante quien trae el clásico look rockero de pantalones de piel y pelo largo.

Es en eso cuando podemos notar que hay una fina tela entre la banda y el público, que permite a un proyector mostrar todas las terribles imágenes, lo que viene a continuación es el pequeño puente musical antes de llegar al coro, es ahí donde observamos un ligero zoom in a una serpiente, que va acoplándose a la música antes de que comience la parte central de la canción.

En realidad no hay mucho más que agregar, las imágenes serán similares por el resto de la canción, descomposición, flores marchitándose, gente inmolada, silbidos del público. Todo en la misma atmosfera melancólica que llega incluso a cautivar a la audiencia del concierto, y pudiera ser que a ti. Resalta un bello final donde se escucha la frase “If I could start again, a million miles away, I would keep myself, I would find a way”. Justo en ese momento observamos desde una perspectiva hacia arriba y adentro del agua a un pez, cuando de pronto un ave entra a su mundo y se lo lleva. Es en el mismo instante cuando todos los instrumentos ponen el máximo énfasis a la música, mostrando el perfecto manejo del simbolismo y la sincronía en vivo. Ya para completar el video podemos observar por completo la descomposición inversa del zorro.

Seguramente, muchos de ustedes vieron las películas de La Chica del Dragon Tatuado y La Red Social, ambos filmes destacan por ser obras de David Fincher en las cuales rompe un poco los parámetros visuales y sobretodo, musicales. Ambas cintas dirigidas por el director de Fight Club tuvieron como característica principal, que su score o música original fue compuesta por un muy desconocido Trent Reznor (y otro todavía más desvalorado Aticus Ross)Incluso fueron tan buenos que The Social Network ganó el Oscar, mientras que el segundo filme fue nominado y hasta ahí quedó. Y muchos de ustedes se preguntarán ¿Y quién diablos es ese tal Trent Reznor?

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Trent con su Oscar por “The Social Newtwork”

Para sorpresa de nadie de ustedes, Trent Reznor es, el cantante de Nine Inch Nails, que a su vez estoy diciendo que ese hombre que ven al video es aquel que apenas unos meses atrás recibió su Oscar por mejor música original y es una vaca sagrada de la música industrial, considerado uno de los músicos más importantes de los últimos tiempos, y es que su estilo no puede ser comparado con el de nadie, ya que él solo ha creado una banda y lanzado más de una treintena de discos… aunque habrá que reconocer que últimamente le bajó a su estado “ivol” (no me creen, chequen este video).

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Trent en su época “What have I become, my sweetest friend”

Hurt, debo decirlo, es mi canción favorita, bastante melancólica y clama para que le des mas de cinco leídas a su música y letra. Por allá del 2003 Johnny Cash a tan solo 7 meses de su muerte grabó su versión de esa canción, incluso es tan buena que se le llamo el epitafio del rey del country. Pero eso si, agradezco que esta canción haya quedado en las sombras y que solo algunas canciones de NIN resultan conocidas por cualquier oído. Ya que Hurt es una canción dedicada especialmente para todo aquel que desea su propio infierno.

Versión de Johnny Cash

Paramore: Brick By Boring Brick (Análisis)

Por: Sharly Tlapa

Historia:

Brick by boring brick es una canción de la banda estadounidense Paramore. Esta canción pertenece a su tercer álbum titulado Brand New Eyes que fue lanzado en el año 2009.

En este video, a grandes rasgos, se puede ver a la vocalista cantando mientras que otro de los integrantes de la banda se dedica todo el video a cavar una tumba. Mientra tanto, la protagonista, una niña de alredor de ocho años que usa vestido y unas enormes alas de mariposa monarca, se dedica a explorar un mundo mágico de cuentos de hadas en donde hay príncipes y un enorme castillo… esto no es como parece, al final del video se puede ver que la tumba que apareció en todo el video es para la niña y su muñeca.

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Análisis:

La canción se relaciona perfectamente con el video, ya que es sobre una chava que trata de huir de sus problemas e intenta  actuar de forma infantil, pero se empieza a dar cuenta que esto solamente empeora las cosas, además de que está siendo victima de su esclavitud mental.

Al inicio de este video podemos ver que todo el trama se desarrolla en un mundo irreal, fantasioso, en donde se puede ver a un hombre cavando una tumba mientras la vocalista está cantando en un columpio, en ese momento pasa una niña corriendo y al parecer es una versión infantil de la vocalista ya que están usando la misma ropa.

La niña sigue corriendo y se encuentra con una puerta que la llevará a un mundo desconocido pero decide tomar el riesgo de entrar. Al empezar a caminar hacia ese mundo desconocido pero maravilloso la puerta se cierra, es un lugar en el que no va a poder salir jamás.

En ese momento la vocalista empieza a cantar la primera estrofa de la canción, “She lives in the fairy tale somewhere is too far for us to find” en ese momento la cancion nos deja claro que ese lugar solamente lo puede encontrar ella en su imaginación.

La niña ya está adentro de su mundo mágico, no hay vuelta atrás, se puede ver perfectamente que trae puestas sus alas de mariposa monarca, empieza a caminar para explorar lo que puede encontrar ahí. Esa parte va acompañado de “The angles were all wrong, now she’s ripping wings off of butterflies”, Pero… ¿porqué usar alas de una mariposa monarca y no de otra mariposa? Bueno como sabemos ella sufre de problema mental y vive en un lugar que solamente puede encontrar, ahora es una esclava monarca. Las alas de la mariposa monarca se asocian con una técnica existente llamada “Control mental Monarca”, esta comprende elementos de abuso ritual satánico y desorden de personalidad múltiple. “With her feet on the ground
and her head in the clouds”.

Esta niña sigue caminando, en su camino encuentra hadas, flores hermosas, mariposas monarcas, un extraño mundo lleno de personajes que nos hacen recordar a la historia de Alicia en el país de las maravillas o el Mago de Oz, asociadas con el control de la mente. La niña llega a un prado en donde hay sólamente hongos gigantes, blancos y rojos, con pequeños puntitos en ellos, esta parte la interpretamos que hace uso de drogas alucinógenas.

Empieza a correr la niña muy rápido hasta llegar a un castillo en donde hay muchos espejos en las paredes, entonces se detiene para observar como en cada uno hay una como ella, pero con personalidad diferente, además de imágenes de títeres y personajes ficticios que reflejan su miedos. Hace referencia a la personalidad múltiple del control mental monarca.

La niña sale huyendo del castillo al ver esto, pero ahora el mundo mágico que estaba afuera se ha esfumado, ahora todo es gris y feo. Intenta huir de la realidad pero no sabe a donde, ya no puede, está atrapada en su propia mente, empieza a correr mas rápido pero sólamente logra caer en la tumba que habían estado cavando en el transcurso del video.

Cablevisión se pone negro

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Por: Jose Manuel Reyes

La batalla de siempre con el internet en México dio un cambio muy curioso en recientes fechas gracias al lanzamiento del ultimo comercial de Cablevisión, el cual se le denomina “Regreso a Clases”. En un resumen muy sencillo, el comercial nos habla que no importa cuanto un padre haga por sus hijos, estos siempre reprocharan el hecho de que sus comodidades –en este caso el internet- no sean cumplidas. Y vaya que lo hacen de una manera muy llamativa.

El comercial de aproximadamente un minuto se muestra de manera rápida, concisa y sencilla, un poco de elaboración en los escenario y maquillaje, pero nada que parezca una verdadera producción digna de la publicidad de un Super Bowl. Una voz en off cálida nos va a guiar por todo el comercial al igual que el protagonista principal que es el padre, quien situado a la izquierda de la pantalla en un médium shot observa una fotografía añorando épocas pasadas.

Una guitarra solitaria que sonara como salida de un radio antiguo entona la gris escena. La voz en off comienza a decir que no existe reconocimiento de parte de los hijo hacia ningún esfuerzo realizado por los padres. Inmediatamente cambiamos a un long shot en la noche afuera de un estacionamiento, nuevamente el padre esta vez con menos años carga una cuna en una mano y un paraguas en la otra, mojándose por completo, intentando meter a su hijo en el auto.

La siguiente escena muestra el rostro del padre con una gran expresión de desvelo mientras carga a su bebe y este llora desconsoladamente, no hay más que mostrar. El siguiente punto es enfatizar el paso de los años mediante Santa Claus quien es encarnado por el padre solo para mostrar la dedicación que tiene hacia el insolente niño que además en la última navidad avienta algún objeto al inmóvil San Nicolás.

La siguiente me resulta una escena clave en todo el comercial, que muestra al padre dejando a su hijo quedarse un rato más a la fiesta en la cual estaba, la expresión del papa resulta demasiado interesante, su resignación pero a la vez alegría me resulta bastante sincera. Pero además la locaciones me muestran algo que comentaré al final. Una pequeña simulación de gol y el baile humillante del hijo al padre y nos muestran en la siguiente toma, probablemente el clímax del comercial. Una cirugía de trasplante de riñón, dando a entender que no existe cosa más importante en la vida de un padre, que su hijo.

El desenlace llega y muestra ya al hijo adolescente disparando palabras hirientes e insensibles después de todo el corto viaje que hemos hecho en compañía del padre. Cabe resaltar que el señor ya está en silla de ruedas y con una bolsa de suero colgando, quien se muestra incrédulo ante las palabras de su hijo, al momento la música cambia a un tono más alegre para que pueda entrar la pleca naranja anunciando el atractivo paquete de internet.

Cosas a destacar, los colores del comercial, a excepción de las plecas oficiales de cablevisión llegan a ser bastante grises y oscuras, tales como la escena del padre dejando al niño un rato más en la fiesta, que tiene un tono azul “Twilight” pero que le suman un poquito de gris “The Road”. La toma del quirófano también enfatiza la unión entre padre e hijo con el close up a sus manos estrechándose con fuerza pero con el mismo tono grisáceo de la piel. Bastante interesante creo yo, ya que creo que este mensaje va dirigido directamente para que los padre puedan acceder a sus recuerdos con la nostalgia que solo los colores fríos pueden otorgar.

Cruel, si, sinceramente este comercial resulta serlo y bastante, insensible hasta cierto punto, pero no muy alejado de la realidad que hoy tenemos. Pero Cablevisión no lo deja así y decide dar la solución final al problema de todos los padres con hijos adolescentes con problemas “net-tonianos”…¿Entienden? ¿Net de internet en lugar de Newton? Como sea, la solución es sencilla, dales un internet veloz y estable. O al menos es lo que el comercial nos dice.

En lo personal el comercial me agrada, tiene humor oscuro que no todos soportan y destaca el gran manejo de colores y música nostálgica que maneja el comercial, ya que es precisamente lo que intentan evocar y creo yo, lo logran. En si el spot no lo encuentro ofensivo en ningún momento, pero si he sabido que no fue muy bien recibido por ciertas audiencias, pero como por ahí dicen: A quien le quede el saco, que se lo ponga.

“Domesticando” con English Lady

Por: Iliana Fornaguera

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Según estudios, se sabe que los seres vivos secretan feromonas con distintos propósitos, que básicamente cumplen con la función de brindar información sobre algo en particular. En el caso de los humanos, las feromonas son secretadas para denotar un estado de ánimo o de salud, así como para indicar la disponibilidad sexual e incitar el poder de atracción.

 ImagenDesde el descubrimiento del efecto de las feromonas en el ser humano, muchos han sido los productos diseñados con estas hormonas, tornándose de esta forma en un remedio para todos aquellos solitarios que ven en estos productos la única oportunidad de levantar pasiones por ahí.

English Lady es un desodorante creado por Genomma Lab Internacional, cuya principal característica es su contenido con feromonas. Con sus presentaciones en roll on o en aerosol, aunado a sus peculiares y graciosos aromas de Cereza Extravagante, Mora Atrevida, Naranja dominante, Menta intensa y Yerbabuena extrema, este desodorante promete a cada mujer tener a sus pies al hombre que quiera.

Además de venir en presentaciones de gran tamaño y utilizando como slogan “El tamaño sí importa”, English Lady ha captado la atención de las personas no sólo por incluir feromonas, sino por su publicidad catalogada como ofensiva.

 Cuando recién salió al mercado este producto, se mostraron en los comerciales actitudes que degradan tanto a las mujeres como a los hombres. Por un lado, se muestra a un hombre haciendo las labores del hogar que cotidianamente y de acuerdo a los estereotipos, una mujer aparentemente debería de hacer. Posteriormente se muestra a la novia/pareja/amante del susodicho en una actitud completamente dominante y tratando de intimidar y sobajar al hombre.

Posiblemente para algunos este sería un escenario común y se pensaría que no es más que un hombre mandilón, sin embargo la imagen proyectada en el comercial es muy fuerte. En él, se hace notar al hombre completamente sumiso, como se supone que la mujer debería de ser, y a esta última con una actitud arrogante haciéndole notar al hombre que ella es quien tiene todo el control.

Aunque en ningún momento se muestra una violencia física, si hay un acto de sumisión evidente. Sin embargo, la gota que derramó el vaso es el hecho de que al final del comercial, sale la mujer rociándose con English Lady y una voz en off que, como si se estuviera hablando de animales, dice la frase “Domestícalos, con English Lady.”

Aunque cada vez el sexo femenino tenga mucha más apertura en la sociedad y cada vez se demuestre su capacidad de sobresalir, aún la imagen femenina sigue siendo mostrada como débil ante la del sexo masculino. Mucho nos quejamos de que México sigue siendo un país machista y que las mujeres no somos respetadas ni se nos da nuestro lugar, sin embargo eso no nos da derecho a ser feministas a ese grado. Sí queremos que nos respeten, debemos hacer lo mismo y primeramente darnos a respetar.

Crear un comercial así, generó mucha controversia, y con justa razón. Simplemente no puedes ir por la vida refiriéndote a alguien como si fuera un animal, y mucho menos ponerlo en un comercial y expresarlo de forma tan sexista.

Desconozco el sexo del realizador de esta campaña y si estaba consciente del grado de ofensa que creó. Lo que sí sé es que bien o mal se logró captar la atención de todas las personas hacia English Lady, y ahora que ya lograron ser volteados a ver, han cambiado su publicidad y le dieron un giro relativamente más amable.

En comerciales más recientes podemos ver que se destaca especialmente la virtud de las feromonas y se muestra únicamente a una mujer dominante e imponente. No obstante, el controversial slogan de “Domestícalos”, sigue vigente. Habrá que esperar las futuras campañas para ver si poco a poco se van suavizando la publicidad empleada, o si cada vez buscan “domesticar” hombres.